Сеченовская детская библиотека

Государственная Третьяковская галерея – выдающийся памятник русской и советской художественной культуры. Сокровища отечественного искусства. Свыше 50 тыс. произведений живописи, графики и скульптуры составляют ныне ее коллекции.

Отсчет славной истории галереи начинается с 1856 г. – времени приобретения Павлом Михайловичем Третьяковым первых картин русских художников. Коллекционирование лучших произведений отечественной школы стало делом всей жизни основателя галереи, а создание общедоступного музея национального искусства – конечной целью собирательной деятельности.

Особую заинтересованность  он проявлял к творчеству современных ему мастеров реалистической живописи. Благодаря усилиям Третьякова галерея стала обладательницей лучшего собрания произведений художников-передвижников и других мастеров демократического направления, представлявших передовой отряд искусства второй половины прошлого столетия: В.Г.Перова и И.Н. Крамского, Н.Н. Ге и Н.А. Ярошенко, В.М. Максимова и И.М. Прянишникова, Ф.А. Васильева и А.К. Саврасова, И.И. Шишкина и А.И. Куинджи, И.Е. Репина и В.И. Серова и многих других.

С замечательной проницательностью он сумел на рубеже 1880-1890 гг. разглядеть и своевременно поддержать новаторские творческие искания молодого поколения русских художников. При своем появлении ранние работы И.И. Левитана и В.А. Серова, М.В. Нестерова, Н.А. Касаткина, А.Н. Бенуа, Н.К. Рериха не получили единодушного признания. Ныне же они составляют законную гордость Третьяковской галереи.

В 1892 г. Третьяков подарил городу Москве свое обширное собрание вместе с завещанной ему художественной коллекцией брата Сергея Михайловича. Древняя столица России, а с нею и вся страна обрели уникальный художественный музей. Он получил статус Городской картинной галереи, но фактически с первых лет своего существования выполнял культурную миссию общероссийского масштаба.

После смерти Третьякова в руководстве музеем принимали участие многие выдающиеся деятели русской культуры, художники и собиратели: И.С. Остроухов, В.А. Серов, И.Э. Грабарь, дочь Третьякова А.П. Боткина и другие.

Великий Октябрь открыл перед галереей широчайшие возможности для дальнейшего развития. В первые годы Советской власти в судьбе Третьяковской галереи живое участие принял Владимир Ильич Ленин. Подписанное  им 3 июня 1918 г. Постановление Совета Народных Комиссаров о ее национализации поставило перед галереей историческую задачу – сделать эту великолепную коллекцию духовным достоянием миллионов трудящихся, приступивших к строительству нового общества и новой культуры. Третьяковская галерея была объявлена культурным учреждением, призванным выполнять «общегосударственные просветительные функции», она была переименована из Городской и Государственную Третьяковскую галерею.

Уже в 1920-е годы собрание галереи претерпело разительные по своим масштабам количественные и качественные изменения. Из недавно еще недоступных, а теперь ставших народным достоянием дворцовых собраний, из помещичьих усадеб, особняков аристократии и буржуазии, из монастырей, из частных коллекций в галерею поступили многие сотни новых экспонатов.

Третьяков собрал около 2 тыс. произведений, подавляющее большинство которых составляла живопись. К тому же очевидный акцент в его собирательстве был поставлен на искусстве современных ему художников. Огромный, многократно выросший фонд галереи, сложившийся за годы Советской власти, создавался из произведений разных эпох и разных видов искусства. Был образован, по существу, новый для галереи отдел скульптуры и значительно расширен отдел графики. Практически заново был создан отдел древнерусского искусства. Третьяков оставил небольшую, состоявшую всего из 62 номеров коллекцию древнерусских икон. Ныне в галерее числится свыше 5 тыс. работ древнерусских мастеров. Лишь в советские годы заняли почетное место в залах Третьяковской галереи гениальные создания Андрея Рублева, Феофана Грека, Дионисия, Симона Ушакова и огромного числа талантливых, оставшихся безвестными мастеров.

Планомерная работа по комплектованию отдела искусства 18 века увенчалась созданием великолепной коллекции, в которой представлены шедевры Ф.С.Рокотова, Д.Г. Левицкого, В.Л. Боровиковского, Ф.И. Шубина и других. В сравнении с дореволюционным неизмеримо выросло собрание произведений ведущих мастеров первой половины 19 века – О.А. Кипренского, С.Ф. Щедрина, А.Г. Венецианова, В.А. Тропинина, К.П. Брюллова, А.А. Иванова, П.А. Федотова. Теперь они представлены в галерее монографически широко и, как правило, лучшими работами.

Много ценных приобретений было сделано и отделом искусства второй половины 19 века, хотя, казалось бы, к этому блестящему собранию уже трудно было что-либо добавить. Сейчас невозможно представить Третьяковскую галерею без «Проводов покойника» В.Г. Перова, «Неизвестной» И.Н. Крамского, «Лесных далей» И.И. Шишкина, «Березовой рощи» и «Вечернего звона» И.И. Левитана, а между тем эти, как и многие другие известные произведения той эпохи, стали достоянием галереи лишь в советское время.

В дооктябрьский период контуры коллекции изобразительного искусства конца 19-начала 20 века были едва намечены. Потребовалась многолетняя и целенаправленная работа коллектива галереи, в результате которой была воссоздана целостная картина развития искусства этого времени. Отдел наполнился целым рядом программных произведений В.А. Серова, М.А. Врубеля, В.Э. Борисова-Мусатова, М.В. Нестерова, Ф.А. Малявина, С.Т. Коненкова, А.С. Голубкиной, И.Э. Грабаря и других представителей наиболее значительных художественных объединений того времени.

Начиная с 1920-х годов стал формироваться фонд советского искусства.

Хорошо известно, что Третьяковская галерея – один из самых посещаемых музеев не только в нашей стране, но и во всем мире. Более чем 1,5 млн. посетителей в год проходят по ее залам. Специальный отдел научной популяризации искусства руководит всей многогранной пропагандисткой работой галереи. Научные сотрудники галереи проводят свыше 13 тыс. экскурсий в год, читают сотни выездных лекций на заводах, фабриках, учреждениях Москвы и других городов страны.

Загадки и тайны старых картин

Спрятавшиеся в толпе

Зашифрованные автопортреты

Художники довольно часто изображают себя. Это может быть автопортрет. А может быть и картина, на которой нарисованы другие люди – и сам художник среди них.

Например, Карл Брюллов на полотне «Последний день Помпеи» изобразил себя в виде художника с ящиком красок на голове.  Он погибнет, конечно, - вся эта бегущая толпа погибнет под теплом. Но странен взгляд этого человека – не испуганный, а отстраненный, запоминающий. Взгляд художника на картине словно вбирает впечатления… хотя написать он уже ничего не успеет. «Я напишу все это за тебя», - словно говорит Брюллов своему обреченному коллеге.

На картинах Сурикова мы тоже видим лицо художника. В «Боярыне Морозовой» он – странник с посохом и корзиной. В его лице нет ни фанатического восторга последователей Морозовой, ни столь же фанатического отвращения ее противников. Только раздумье, только грусть – «мир полон зла…».

Похоже или нет?

Чем генерал отличается от художника?

Что нужно, чтобы портрет удался? Наверное, чтобы он был похож. Художник изучает лицо и угадывает эту самую главную мысль лица, хотя бы в тот момент, в который он описывает, и не было ее вовсе в лице. 

Бывали в истории эпохи, когда живопись обязана была быть непохожей. Живописцы 18 века изображали вельмож величественными, а их женам придавали черты томных красавиц независимо от подлинного их вида. Поэтому портреты того времени были похожи не на модель, а друг на друга. Иногда на художника за слишком похожий на модель портрет обижались.

В Средние века прямо перед собой смотрели только святые на иконах. Подавляющее большинство портретов 15 века – в профиль: так пристойнее, меньше нечестивой гордыни. Но в 1500 году немецкий живописец Альбрехт Дюрер изобразил себя в положении «анфас», глядящим прямо перед собой! Его обвинили в богохульстве.

Постепенно большую роль на портретах начинает играть костюм модели. Особенно это характерно для 18 века. Костюмы обозначали положение того, кого рисуют, его характер, его особенности. Одежда должна была подсказать, кто есть кто. Вельможи и генералы красовались на портретах своими золочеными мундирами – а О. Кипренский рисует себя в халате. В халате пишет А.Пушкина В. Тропинин. В халате рисует драматурга А.Н. Островского художник В. Перов (1871 год) Почему? Потому что халат воспринимается как противопоставление всему казенному, бездушному.

При взгляде на картину Крамского «Неизвестная» вряд ли кто-то из современных зрителей обращает внимание на то, как она одета. А во время написания картины это было важно. На даме шляпка «Франциск» («последний крик» моды сезона 1883 года, года написания картины), «шведские» перчатки и пальто модели «Скобелев». Ну и что? А то, что сверхмодный костюм обозначает положение дамы – она не принадлежит к высшему свету и не считается «добропорядочной особой». «Кодекс неписанных правил исключал строгое следование моде в высших кругах общества». То есть считалось неприличным слишком модно одеваться.

Почему картина сияет?

Чудеса светящихся полотен

Гении рождаются причудливо, не договариваясь, где и когда появиться на свет. Но если до 40-х годов 19 века большинство хороших живописцев России были петербуржцами и москвичами, то за 1836-1848 гг. провинция обогнала столицы.

Картина одного из «провинциалов» Архипа Куинджи, в 1880 году озадачила петербургскую публику. Газеты писали, что этот пейзаж совершенно убивает все другие картины выставки. Она светилась. Светилась вода, луна, сама ночь. Зрители заглядывали за холст – может, там спрятана лампа, которая подсвечивает картину? По Питеру ходили слухи: Куинджи дружен со знаменитым химиком Менделеевым, который придумал для приятеля удивительные светящиеся краски. И вообще, Куинджи – самозванец, который убил настоящего художника и завладел его картинами.

Он добивался успеха, комбинируя светлые и темные тона.